Tail Dragger & His Chicago Blues Band • Crawlin' Kingsnake

James Yancy Jones, aka Tail Dragger, was born in Altheimer, AR, in 1940. He was brought up by his grandparents and was influenced as a child by the electric Chicago blues of Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, and especially Chester Burnett, the Howlin' Wolf. Jones was a Howlin' Wolf devotee, right down to his deep, gruff voice. After moving to Chicago in the '60s, he began playing with blues legends on the West Side and South Side. It was Howlin' Wolf who gave Jones the title "Tail Dragger" because of his habit of showing up late to gigs.

The blues get served up hard, heavy and raunchy on the debut album from Chicago blues club legend Tail Dragger & His Chicago Blues Band. The 12 tracks here run the gamut from the modal "Don't Trust No Woman," six-and-a-half minutes of a non-stop trance groove, to the nastiest version of "Baby Please Don't Go" you'll ever hear, to the Jimmy Reed groove of "Cold Outdoors." With a straightforward, driving band featuring Studebaker John on harmonica, Rockin' Johnny Burgin on lead guitar, and Twist Turner on drums, a great song selection with seven of the 12 tunes emanating from the pens of either Tail Dragger or producer George Paulus, and an uncluttered production, this is one modern-day blues album that captures the spirit of Chicago blues in its classic period, yet in the here and now. The cover of this CD announces that disc contains "one hour of hardcore juke joint blues." Believe it. Cub Koda, AMG

 

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James Yancy Jones, alias Tail Dragger, nació en Altheimer, AR, en 1940. Fue criado por sus abuelos y fue influenciado de niño por el blues eléctrico de Chicago de Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, y especialmente Chester Burnett, el Lobo Aullador. Jones era un devoto de Howlin' Wolf, hasta su voz profunda y ruda. Después de mudarse a Chicago en los 60, empezó a tocar con leyendas del blues en el West Side y el South Side. Fue Howlin' Wolf quien le dio a Jones el título de "Tail Dragger" por su costumbre de llegar tarde a los conciertos.

El blues se sirve duro, pesado y estridente en el álbum debut de la leyenda del blues de Chicago Tail Dragger & His Chicago Blues Band. Los 12 temas van desde el modal "Don't Trust No Woman", seis minutos y medio de trance ininterrumpido, hasta la versión más sucia de "Baby Please Don't Go" que hayas escuchado, pasando por el ritmo de Jimmy Reed en "Cold Outdoors". Con una banda sencilla y dinámica con Studebaker John en la armónica, Rockin' Johnny Burgin en la guitarra y Twist Turner en la batería, una gran selección de canciones con siete de los 12 temas que emanan de las plumas de Tail Dragger o del productor George Paulus, y una producción despejada, este es un álbum de blues moderno que captura el espíritu del blues de Chicago en su período clásico, pero en el aquí y ahora. La portada de este CD anuncia que el disco contiene "una hora de hardcore juke joint blues". Créanlo. Cub Koda, AMG 

 

 

 

 

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Jim Liban & The Joel Paterson Trio • I Say What I Mean

Milwaukee, Wisconsin-based, Jim Liban has been playing blues harp for a long time, was part of the psychedelic scene in San Francisco, once shared the stage with Hendrix and was a major part of the local Wisconsin scene for many years.  Less active in recent years as a result of personal tragedies, this record marks a significant return to the scene for a fine player and writer of original songs.

Jim gave guitarist Joel Paterson (Cash Box Kings, Joel Paterson Trio) his first break and Joel here repays the debt by providing excellent support throughout.  Along for the sessions was Joel’s regular rhythm section, Beau Sample on bass and Alex Hall on drums:  Mark Haines replaces Alex on six tracks and Jim’s son Mark Liban takes the drum seat for one cut.  Keys are added to six tracks by Scott Ligon.  A labour of love, Joel produced and arranged new versions of eleven of Jim’s extensive back catalogue and co-wrote three new tunes with Jim; Alex engineered and mastered the recordings and Mark Haines and Joel mixed the album.

In these days of CDs which are labelled blues but are essentially blues-rock it is refreshing to hear a genuine Chicago BLUES album.  The band leaves plenty of space, nobody overplays and the record swings like crazy. Every track here is excellent but let’s start with the three instrumentals written by Jim and Joel for the album.  “Cottonweed” is a fast-paced swinger with Jim playing clusters of notes at high speed, creating a sort of wah-wah effect on his harp, then interspersing some high pitch notes in James Cotton style, hence the title, one assumes; “Cold Stuff” opens with Joel’s choppy guitar providing a background for Jim to range far and wide across his harp, culminating in a note held for a very long time, quite a technical feat; “Quick Draw” has a Latin feel to the rhythm with Scott’s organ adding depth and Joel using slide very effectively.

Some of these songs are very personal.  Jim pays tribute to his late wife in the warm words of “Thank You For The Dance”, a gently swinging number with bubbling organ and fine guitar accents from Joel, Jim’s harp also having a lightness of touch that suits the song perfectly.

“No More Alcohol” tackles the issue of addiction head on in a sparse arrangement, Jim intoning the lyrics through his harp mike: “That’s it, I quit, no more alcohol”.  On the title track Jim gives a positive appraisal of himself on a tune that takes a Howling Wolf riff at the start but morphs into an even more swinging middle section with Joel delivering some great slide accents.

“Stop On By” has some terrific, swinging support from the band for Jim’s clear vocals about returning to his former home and some more fine blowing, this time in the lower register. “Tell Me Everything” asks for a full and frank admission, Jim than asking how he can then trust the person concerned!

Elsewhere Jim plays a slow, late night feeling blues in “Sad, Tired And Worried” but the main style here is swinging, gently on a cut like closer “Selfish Man” where Jim confesses that he wants to keep the girl all to himself or moving along at faster pace as on “Right Hand Blues” on which Jim and Joel duel very effectively across the middle section.

There is not a weak track here, everything is beautifully recorded with absolute clarity and the playing is first class.  This is a CD that every true blues fan should seek out and enjoy!  Highly recommended.

http://www.bluesblastmagazine.com/jim-liban-with-the-joel-paterson-trio-i-say-what-i-mean-album-review/

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Con sede en Milwaukee, Wisconsin, Jim Liban ha estado tocando arpa blues durante mucho tiempo, fue parte de la escena psicodélica de San Francisco, una vez compartió el escenario con Hendrix y fue una parte importante de la escena local de Wisconsin durante muchos años.  Menos activo en los últimos años como resultado de tragedias personales, este disco marca un regreso significativo a la escena para un buen jugador y escritor de canciones originales.

Jim le dio al guitarrista Joel Paterson (Cash Box Kings, Joel Paterson Trio) su primer descanso y Joel paga la deuda proporcionándole un excelente apoyo en todo momento.  Junto con las sesiones estaba la sección rítmica regular de Joel, Beau Sample en el bajo y Alex Hall en la batería:  Mark Haines reemplaza a Alex en seis temas y el hijo de Jim, Mark Liban, toma el asiento del tambor para un corte.  Las teclas son añadidas a seis pistas por Scott Ligon.  Un trabajo de amor, Joel produjo y arregló nuevas versiones de once del extenso catálogo de Jim y co-escribió tres nuevos temas con Jim; Alex diseñó y dominó las grabaciones y Mark Haines y Joel mezclaron el álbum.

En estos días de CDs que llevan la etiqueta blues pero que son esencialmente blues-rock es refrescante escuchar un auténtico disco de Chicago BLUES.  La banda deja mucho espacio, nadie toca de más y el disco se balancea como loco. Cada tema aquí es excelente, pero vamos a empezar con los tres instrumentos escritos por Jim y Joel para el álbum.  "Cottonweed" es un swinger de ritmo rápido con Jim tocando grupos de notas a alta velocidad, creando una especie de efecto wah-wah en su arpa, y luego intercalando algunas notas de tono alto al estilo de James Cotton, de ahí el título que uno asume; "Cold Stuff" comienza con la guitarra entrecortada de Joel, que proporciona un fondo para que Jim se extienda a lo largo y ancho de su arpa, culminando en una nota sostenida durante mucho tiempo, una hazaña bastante técnica; "Quick Draw" tiene un aire latino al ritmo con el órgano de Scott añadiendo profundidad y Joel usando el deslizamiento de manera muy efectiva.

Algunas de estas canciones son muy personales.  Jim rinde homenaje a su difunta esposa con las cálidas palabras de "Thank You For The Dance", un número que se balancea suavemente con acentos de órgano burbujeante y finos acentos de guitarra de Joel, el arpa de Jim también tiene una ligereza de tacto que se adapta perfectamente a la canción.

"No más alcohol" aborda el tema de la adicción de frente en un arreglo escaso, Jim entonando la letra a través de su micrófono de arpa: "Eso es todo, renuncio, no más alcohol".  En el tema del título, Jim da una valoración positiva de sí mismo en una melodía que toma un riff de Howling Wolf al principio, pero que se transforma en una sección media aún más oscilante con Joel dando algunos acentos de gran deslizamiento.

"Stop On By" tiene un gran apoyo de la banda para las voces claras de Jim sobre su regreso a su antigua casa y algunas más de soplido fino, esta vez en el registro inferior. "Cuéntamelo todo" pide una admisión completa y franca, Jim que preguntar cómo puede confiar en la persona en cuestión!

En otro lugar, Jim toca un blues lento y nocturno en "Sad, Tired And Worried", pero el estilo principal aquí es el swinging, suavemente en un corte como "Selfish Man", donde Jim confiesa que quiere mantener a la chica para sí mismo o moverse a un ritmo más rápido, como en "Right Hand Blues", en el que Jim y Joel se baten en duelo de forma muy efectiva a través de la sección central.

No hay una pista débil aquí, todo está bellamente grabado con absoluta claridad y el juego es de primera clase.  Este es un CD que todo verdadero fanático del blues debería buscar y disfrutar!  Altamente recomendado.

http://www.bluesblastmagazine.com/jim-liban-with-the-joel-paterson-trio-i-say-what-i-mean-album-review/

 

www.joelpaterson.com ...

Sonny Terry • Wizard of the Harmonica

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a tocar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

VA • Harmonica Blues Deep Cuts

Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Slim Harpo, Howlin' Wolf, James Cotton, Alexis Korner, Toots Thielemans, Junior Mance ...

Mojo Buford • Home Is Where My Harp Is

 

Biography

The various bands led by harmonica player and singer George "Mojo" Buford hark back to the classic Chicago blues sounds of the early '60s. Among harmonica players, Buford has the distinction of being the only musician to have played with various bands led by the late Muddy Waters in the 1950s, '60s, '70s, and '80s. (Waters died in April 1981.) Buford left Mississippi for Memphis in his teens and honed his chops around Memphis before heading to Chicago in 1952. He began playing with Waters in Chicago in the late '50s, but by 1962 Buford relocated to Minneapolis, where he recorded several obscure albums for the Vernon and Folk-Art labels. He rejoined Waters' band in 1967 for a full year and then toured with him again in the early '70s, after harmonica player Jerry Portnoy left to form the Legendary Blues Band. By 1979 Buford was recording and touring around with bands under his own name. He recorded Mojo Buford's Blues Summit in 1979 for Mr. Blues, later reissued on the Rooster Blues label, and his 1990s recordings include Still Blowin' Strong and Harpslinger, both issued in 1996 by the Blue Loon Records label; a 1998 release for British blues label JSP Records entitled State of the Blues Harp; and a 1998 stateside release, Home Is Where My Harps Is, also for Blue Loon. More recently, he recorded a live album, Champagne & Reefer, in 1999 for New York-based Fedora Records and Chicago Blues Summit in 2002 for P-Vine Records. He continued to play until his death in October 2011.

by Richard Skelly

https://www.allmusic.com/artist/george-mojo-buford-mn0000922782/biography

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Biografía

Las diversas bandas lideradas por el armónico y cantante George "Mojo" Buford se remontan a los clásicos sonidos del blues de Chicago de principios de los 60. Entre los armonicistas, Buford se distingue por ser el único músico que tocó en varias bandas lideradas por el fallecido Muddy Waters en los 50, 60, 70 y 80. (Waters murió en abril de 1981.) Buford dejó Mississippi para ir a Memphis en su adolescencia y se perfeccionó en Memphis antes de ir a Chicago en 1952. Empezó a tocar con Waters en Chicago a finales de los 50, pero en 1962 Buford se trasladó a Minneapolis, donde grabó varios discos oscuros para los sellos Vernon y Folk-Art. Se reincorporó a la banda de Waters en 1967 durante un año entero y luego volvió a girar con él a principios de los 70, después de que el armonista Jerry Portnoy se fuera para formar la Legendary Blues Band. En 1979 Buford estaba grabando y haciendo giras con bandas bajo su propio nombre. Grabó Mojo Buford's Blues Summit en 1979 para Mr. Blues, posteriormente reeditado por el sello Rooster Blues, y sus grabaciones de los años 90 incluyen Still Blowin' Strong y Harpslinger, ambas editadas en 1996 por el sello Blue Loon Records; un lanzamiento en 1998 para el sello británico de blues JSP Records titulado State of the Blues Harp; y un lanzamiento en 1998 en los Estados Unidos, Home Is Where My Harps Is, también para Blue Loon. Más recientemente, grabó un álbum en vivo, Champagne & Reefer, en 1999 para Fedora Records, con sede en Nueva York, y Chicago Blues Summit en 2002 para P-Vine Records. Continuó tocando hasta su muerte en octubre de 2011.

por Richard Skelly

https://www.allmusic.com/artist/george-mojo-buford-mn0000922782/biography

Bruce Ewan • Mississipi Saxophone

facebook.com/bruce.ewan ...

Charley Musselwhite's South Side Band • Stand Back

Review by Dan Forte

Vanguard may have spelled his name wrong (he prefers Charlie or Charles), but the word was out as soon as this solo debut was released: here was a harpist every bit as authentic, as emotional, and in some ways as adventuresome, as Paul Butterfield. Similarly leading a Chicago band with a veteran black rhythm section (Fred Below on drums, Bob Anderson on bass) and rock-influenced soloists (keyboardist Barry Goldberg, guitarist Harvey Mandel), Musselwhite played with a depth that belied his age -- only 22 when this was cut! His gruff vocals were considerably more affected than they would become later (clearer, more relaxed), but his renditions of "Help Me," "Early in the Morning," and his own "Strange Land" stand the test of time. He let his harmonica speak even more authoritatively on instrumentals like "39th and Indiana" (essentially "It Hurts Me Too" sans lyrics) and "Cha Cha the Blues," and his version of jazz arranger Duke Pearson's gospel-tinged "Cristo Redemptor" has become his signature song -- associated with Musselwhite probably more so than with trumpeter Donald Byrd, who originally recorded the song for Blue Note. Goldberg is in fine form (particularly on organ), but Mandel's snakey, stuttering style really stands out -- notably on "Help Me," his quirky original "4 P.M.," and "Chicken Shack," where he truly makes you think your record is skipping.

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Reseña de Dan Forte

Puede que Vanguard haya escrito mal su nombre (prefiere Charlie o Charles), pero la palabra salió tan pronto como se lanzó este debut en solitario: aquí había un armoniquista tan auténtico, tan emotivo y, en cierto modo, tan aventurero, como Paul Butterfield. De manera similar, liderando una banda de Chicago con una veterana sección rítmica negra (Fred Below en la batería, Bob Anderson en el bajo) y solistas influenciados por el rock (el teclista Barry Goldberg, el guitarrista Harvey Mandel), Musselwhite tocó con una profundidad que desmintió su edad - ¡sólo tenía 22 años cuando esto fue cortado! Sus rudas voces se vieron considerablemente más afectadas de lo que serían más tarde (más claras, más relajadas), pero sus interpretaciones de "Help Me", "Early in the Morning", y su propio "Strange Land" soportan la prueba del tiempo. Dejó que su armónica hablara con más autoridad en instrumentos como "39th and Indiana" (esencialmente "It Hurts Me Too" sin letra) y "Cha Cha the Blues", y su versión del arreglista de jazz Duke Pearson "Cristo Redemptor" teñida de gospel se ha convertido en su canción insignia - asociada con Musselwhite probablemente más que con el trompetista Donald Byrd, que originalmente grabó la canción para Blue Note. Goldberg está en buena forma (particularmente en el órgano), pero el estilo de Mandel, tartamudo y serpenteante, realmente se destaca... notablemente en "Help Me", su estrafalario original "4 P.M.", y "Chicken Shack", donde realmente te hace pensar que tu disco se está saltando.

www.charliemusselwhite.com ...  

Sonny Terry & Brownie McGhee • Down Home Blues

 

Review by Bruce Eder
Sonny Terry and Brownie McGhee hadn't been working together too long when they cut Down Home Blues, which was also only the second album ever released by Prestige Records on their new Bluesville imprint (the first, for the record, was Al Smith's Hear My Blues). The exact dates of the session are in dispute -- some claim December 1959; others August 1960 -- but the music itself stands outside of time. McGhee's strumming and singing have enough polish to pass as a commercial recording, but at its best, it's still sufficiently unaffected so as to be regarded as authentic country-blues. It's Terry's harp, however, that really pulls this body of music back to its roots: his playing and howling on "Fox Hunt" represent music-making rooted in a world far removed from late-'50s commercial music (and aimed mostly at white listeners), fortunately captured and transplanted here to startling effect. And when Terry steps forward on vocals he can even give an old chestnut like "Back to New Orleans" (subsequently covered by white artists from Van Morrison and Them on down) into something fresh in its raw simplicity; and on "Baby How Long," his harp engages in some killer pyrotechnics that dominate the song. Their vocal duets are just as appealing, but in a different way. "Stranger Here," for example, comes off almost like a pop-blues effort in its affectation. But the dominant elements of this album are the charm and honesty that Terry and McGhee offer, whatever their particular style on a specific song; they had portions of both to spare by the bucketload, which accounts for the 15 years that they held audiences in their spell. And the stereo sound, rather than being an artificial distraction -- as it often was on early acoustic blues recordings -- is a benefit here, the separation giving each player/singer a spotlight of his own.
https://www.allmusic.com/album/down-home-blues-mw0000889267

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Reseña de Bruce Eder
Sonny Terry y Brownie McGhee no llevaban mucho tiempo trabajando juntos cuando grabaron Down Home Blues, que fue también el segundo álbum publicado por Prestige Records en su nuevo sello Bluesville (el primero, que conste, fue Hear My Blues de Al Smith). Las fechas exactas de la sesión son objeto de disputa -algunos afirman que fue en diciembre de 1959; otros, en agosto de 1960-, pero la música en sí misma se mantiene al margen del tiempo. Los rasgueos y la forma de cantar de McGhee tienen el suficiente pulido como para pasar por una grabación comercial, pero en su mejor momento, sigue siendo lo suficientemente inofensivo como para ser considerado un auténtico country-blues. Sin embargo, es el arpa de Terry la que realmente devuelve a este conjunto de música a sus raíces: su forma de tocar y aullar en "Fox Hunt" representa la creación de música arraigada en un mundo muy alejado de la música comercial de finales de los 50 (y dirigida principalmente a los oyentes blancos), afortunadamente capturada y trasplantada aquí con un efecto sorprendente. Y cuando Terry da un paso adelante en la voz, puede incluso convertir una vieja castaña como "Back to New Orleans" (posteriormente versionada por artistas blancos desde Van Morrison y Them) en algo fresco en su cruda simplicidad; y en "Baby How Long", su armónica participa en algunas pirotecnias asesinas que dominan la canción. Sus dúos vocales son igual de atractivos, pero de forma diferente. "Stranger Here", por ejemplo, parece casi un esfuerzo de pop-blues en su afectación. Pero los elementos dominantes de este álbum son el encanto y la honestidad que Terry y McGhee ofrecen, sea cual sea su estilo particular en una canción específica; tenían porciones de ambos a raudales, lo que explica los 15 años que mantuvieron al público en su hechizo. Y el sonido estéreo, en lugar de ser una distracción artificial, como solía ocurrir en las primeras grabaciones de blues acústico, es una ventaja en este caso, ya que la separación da a cada músico/cantante su propio protagonismo.
https://www.allmusic.com/album/down-home-blues-mw0000889267

Dr. Ross • Call The Doctor

Review by Richie Unterberger
If you're looking for one-man blues, this is one of the better efforts in that vein available. Ross is in fine form and strong voice on his first full-length album, sometimes pulling out as many stops as his limbs allow for all-out stompers, at other times just accompanying himself on harmonica. The tracks are largely adaptations of well-worn material like "Good Morning, Little Schoolgirl," "32-20," and "Going to the River"; the opening blast of "Cat Squirrel" is especially good. The one-man band approach gets a bit wearing over the course of 17 songs, though, unless you're a sucker for the style. The CD reissue adds the previously unissued bonus track "Jivin' Blues."
https://www.allmusic.com/album/call-the-doctor-mw0000626724

Biography by Jason Ankeny
Isaiah "Doc" Ross was a throwback to a bygone era; a true one-man band, he played harmonica, acoustic guitar, bass drum, and hi-hat simultaneously, creating a mighty racket harking back to the itinerant country-blues players wandering the Delta region during the earlier years of the 20th century. Born Charles Isaiah Ross on October 21, 1925 in Tunica, Mississippi, he took early inspiration from the music of Robert Johnson, Blind Boy Fuller, and Sonny Boy Williamson I; primarily a harpist -- hence his nickname "The Harmonica Boss" -- he only added the other instruments in his arsenal in order to play a USO show while a member of the Army during World War II. (The "Doc" moniker was acquired because he carried his harmonicas in a doctor's bag.) Upon his release from the military, Ross settled in Memphis, where he became a popular club fixture as well as the host of his own radio show on station WDIA; during his club residency he was witness to a number of brutal murders, however, and swore off appearances in such venues during the later years of his life. During the early '50s, Ross recorded his first sides -- among them "Chicago Breakdown" -- for labels including Sun and Chess; in 1954 he settled in Flint, Michigan, where he went to work as a janitor for General Motors, a position he held until retiring. In 1965 he cut his first full-length LP, Call the Doctor, and that same year mounted his first European tour; as the years passed Ross performed live with decreasing frequency, however, and was infamous for backing out of shows to catch his beloved Detroit Tigers on television. Upon winning a Grammy for his 1981 album Rare Blues, he experienced a career resurgence, and played festival dates to great acclaim prior to his death on May 28, 1993.
https://www.allmusic.com/artist/doctor-ross-mn0000794419/biography

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Reseña de Richie Unterberger
Si estás buscando un blues de un solo hombre, este es uno de los mejores esfuerzos en ese sentido disponibles. Ross está en buena forma y con una voz fuerte en su primer álbum completo, a veces sacando tantas paradas como sus extremidades le permitan, otras veces sólo acompañándose en la armónica. Los temas son en gran parte adaptaciones de material bien usado como "Good Morning, Little Schoolgirl", "32-20", y "Going to the River"; la ráfaga de apertura de "Cat Squirrel" es especialmente buena. El enfoque de la banda de un solo hombre se desgasta un poco en el transcurso de 17 canciones, sin embargo, a menos que seas un tonto del estilo. La reedición del CD añade el bonus track "Jivin' Blues", que no había sido publicado anteriormente.
https://www.allmusic.com/album/call-the-doctor-mw0000626724

Biografía de Jason Ankeny
Isaiah "Doc" Ross fue un retroceso a una época pasada; una verdadera banda unipersonal, tocaba armónica, guitarra acústica, bombo y hi-hat simultáneamente, creando una poderosa raqueta que evocaba a los jugadores itinerantes de country-blues que deambulaban por la región del Delta durante los primeros años del siglo XX. Nacido Charles Isaiah Ross el 21 de octubre de 1925 en Tunica, Mississippi, se inspiró tempranamente en la música de Robert Johnson, Blind Boy Fuller y Sonny Boy Williamson I; principalmente arpista - de ahí su apodo "El Jefe de la Armónica" - sólo añadió los otros instrumentos de su arsenal para tocar en un espectáculo de la USO mientras era miembro del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial. (El apodo "Doc" fue adquirido porque llevaba sus armónicas en la bolsa de un médico.) Al salir del ejército, Ross se estableció en Memphis, donde se convirtió en un popular integrante de un club, así como en el anfitrión de su propio programa de radio en la estación WDIA; sin embargo, durante su residencia en el club fue testigo de una serie de brutales asesinatos, y juró no hacer apariciones en tales lugares durante los últimos años de su vida. A principios de los años 50, Ross grabó sus primeros discos, entre ellos "Chicago Breakdown", para sellos discográficos como Sun and Chess; en 1954 se estableció en Flint, Michigan, donde trabajó como conserje en General Motors, cargo que ocupó hasta su jubilación. En 1965 grabó su primer LP de larga duración, Call the Doctor, y ese mismo año montó su primera gira europea; sin embargo, con el paso de los años Ross actuó en directo con una frecuencia cada vez menor, y fue famoso por dejar de lado los espectáculos para ver a sus amados Tigres de Detroit en la televisión. Tras ganar un Grammy por su álbum Rare Blues en 1981, experimentó un resurgimiento de su carrera y tocó en festivales con gran éxito antes de su muerte el 28 de mayo de 1993.
https://www.allmusic.com/artist/doctor-ross-mn0000794419/biography

James Cotton • Chicago Sessions

 

Biography by Bill Dahl
At his high-energy, 1970s peak as a bandleader, James Cotton was a bouncing, sweaty, whirling dervish of a bluesman, roaring his vocals and all but sucking the reeds right out of his defenseless little harmonicas with his prodigious lung power. Due to throat problems during his latter years, Cotton's vocals were no longer what they used to be, but he remained a masterful instrumentalist for decades. Cotton had some gargantuan shoes to fill when he stepped into Little Walter's slot as Muddy Waters' harp ace in 1954, but for the next dozen years, the young Mississippian filled the integral role beside Chicago's blues king with power and precision. Of course, Cotton had been preparing for such a career move for a long time, having learned how to wail on harp from none other than Sonny Boy Williamson himself.

Cotton was only a child when he first heard Williamson's fabled radio broadcasts for King Biscuit Time over KFFA out of Helena, Arkansas. So sure was Cotton of his future that he ended up moving into Williamson's home at age nine, soaking up the intricacies of blues harpdom from one of its reigning masters. Six years later, Cotton was ready to unleash a sound of his own.

Gigging with area notables Joe Willie Wilkins and Willie Nix, Cotton built a sterling reputation around West Memphis, following in his mentor's footsteps by landing his own radio show in 1952 over KWEM. Sam Phillips, whose Sun label was still a fledgling operation, invited Cotton to record for him, and two singles commenced: "Straighten Up Baby" in 1953 and "Cotton Crop Blues" the next year. Legend has it Cotton played drums instead of harp on the first platter.

When Waters rolled through Memphis minus his latest harpist (Junior Wells), Cotton hired on with the legend and went to Chicago. Unfortunately for the youngster, Chess Records insisted on using Little Walter on the great majority of Waters' waxings until 1958, when Cotton blew behind Waters on "She's Nineteen Years Old" and "Close to You." At Cotton's suggestion, Waters had added an Ann Cole tune called "Got My Mojo Working" to his repertoire. Walter played on Muddy Waters' first studio crack at it, but that's Cotton wailing on the definitive 1960 reading (cut live at the Newport Jazz Festival).

By 1966, Cotton was primed to make it on his own. Waxings for Vanguard, Prestige, and Loma preceded his official full-length album debut for Verve Records in 1967. His own unit then included fleet-fingered guitarist Luther Tucker and hard-hitting drummer Sam Lay. Throwing a touch of soul into his eponymous debut set, Cotton ventured into the burgeoning blues-rock field as he remained with Verve through the end of the decade.

100% Cotton
In 1974, Cotton signed with Buddah and released 100% Cotton, one of his most relentless LPs, with Matt "Guitar" Murphy sizzling on backup. A decade later, Alligator issued another standout Cotton LP, High Compression, which was split evenly between traditional-style Chicago blues and funkier, horn-driven material. Harp Attack!, a 1990 summit meeting on Alligator, paired Cotton with three exalted peers: Wells, Carey Bell, and comparative newcomer Billy Branch. Antone's Records was responsible for a pair of gems: a live 1988 set reuniting the harpist with Murphy and Tucker, and a stellar 1991 studio project, Mighty Long Time. Cotton moved into the 21st century as one of the last surviving originators of the Chicago blues sound, and didn't slow his pace, releasing a series of fine albums, including Fire Down Under the Hill (2000) and Baby, Don't You Tear My Clothes (2004), both for Telarc Records, and Giant (2010) and Cotton Mouth Man (2013), both on Alligator Records. A Best Blues Album nominee at the 2014 Grammy Awards, Cotton Mouth Man proved to be Cotton's last album released during his lifetime; the blues harp giant died of pneumonia in March 2017 at the age of 81.
https://www.allmusic.com/artist/james-cotton-mn0000131841/biography

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Biografía de Bill Dahl
En su gran energía, en el pico de los 70 como director de banda, James Cotton era un derviche saltarín, sudoroso y arremolinado de un bluesman, rugiendo sus voces y casi chupando las cañas de sus indefensas armónicas con su prodigioso poder pulmonar. Debido a problemas de garganta durante sus últimos años, la voz de Cotton ya no era lo que solía ser, pero siguió siendo un magistral instrumentista durante décadas. Cotton tenía unos zapatos gigantescos que llenar cuando entró en el puesto de Little Walter como el as del arpa de Muddy Waters en 1954, pero durante la siguiente docena de años, el joven Mississippi ocupó el papel integral al lado del rey del blues de Chicago con poder y precisión. Por supuesto, Cotton se había estado preparando para este cambio de carrera durante mucho tiempo, habiendo aprendido a tocar el arpa nada menos que con el propio Sonny Boy Williamson.

Cotton era sólo un niño cuando escuchó por primera vez las legendarias emisiones de radio de Williamson para King Biscuit Time en la KFFA desde Helena, Arkansas. Tan seguro estaba Cotton de su futuro que terminó mudándose a la casa de Williamson a los nueve años, absorbiendo las complejidades de la arpa azul de uno de sus maestros reinantes. Seis años más tarde, Cotton estaba listo para desatar un sonido propio.

Junto a los notables de la zona Joe Willie Wilkins y Willie Nix, Cotton se forjó una excelente reputación en West Memphis, siguiendo los pasos de su mentor al lanzar su propio programa de radio en 1952 en KWEM. Sam Phillips, cuyo sello Sun era todavía una operación incipiente, invitó a Cotton a grabar para él, y comenzaron dos sencillos: "Straighten Up Baby" en 1953 y "Cotton Crop Blues" al año siguiente. La leyenda dice que Cotton tocó la batería en lugar del arpa en la primera bandeja.

Cuando Waters pasó por Memphis sin su último arpista (Junior Wells), Cotton contrató a la leyenda y se fue a Chicago. Por desgracia para el joven, Chess Records insistió en usar a Little Walter en la gran mayoría de los encerados de Waters hasta 1958, cuando Cotton sopló detrás de Waters en "She's Nineteen Years Old" y "Close to You". Por sugerencia de Cotton, Waters había añadido a su repertorio una melodía de Ann Cole llamada "Got My Mojo Working". Walter tocó en el primer crack de estudio de Muddy Waters, pero ese es Cotton llorando en la lectura definitiva de 1960 (cortada en vivo en el Festival de Jazz de Newport).

En 1966, Cotton estaba preparado para hacerlo por su cuenta. Waxings for Vanguard, Prestige, and Loma precedió a su debut oficial en un álbum completo para Verve Records en 1967. Su propia unidad incluía al guitarrista de dedos rápidos Luther Tucker y al baterista de gran éxito Sam Lay. Dando un toque de alma a su homónimo set de debut, Cotton se aventuró en el floreciente campo del blues-rock mientras permanecía con Verve hasta el final de la década.

100% Cotton
En 1974, Cotton firmó con Buddah y lanzó 100% Cotton, uno de sus LPs más implacables, con Matt "Guitarra" Murphy como respaldo. Una década más tarde, Alligator publicó otro destacado LP de Cotton, High Compression, que se dividió por igual entre el estilo tradicional del Chicago blues y el material más funky, con trompetas. Harp Attack!, una reunión cumbre de 1990 sobre Alligator, emparejó a Cotton con tres pares exaltados: Wells, Carey Bell, y el recién llegado Billy Branch. Antone's Records fue responsable de un par de gemas: un set en vivo de 1988 que reunía al arpista con Murphy y Tucker, y un estelar proyecto de estudio de 1991, Mighty Long Time. Cotton se trasladó al siglo XXI como uno de los últimos creadores sobrevivientes del sonido del blues de Chicago, y no disminuyó su ritmo, lanzando una serie de excelentes álbumes, incluyendo Fire Down Under the Hill (2000) y Baby, Don't You Tear My Clothes (2004), ambos para Telarc Records, y Giant (2010) y Cotton Mouth Man (2013), ambos en Alligator Records. Nominado a Mejor Álbum de Blues en los Premios Grammy 2014, Cotton Mouth Man resultó ser el último álbum de Cotton lanzado en vida; el gigante del arpa de blues murió de neumonía en marzo de 2017 a la edad de 81 años.
https://www.allmusic.com/artist/james-cotton-mn0000131841/biography

 
 

Carey Bell's Blues Harp Band • Goin' On Main Street

 

 

 

Snooky Pryor • Shake My Hand

 

Snooky Pryor (nacido el 15 de septiembre de 1921 en Lambert, Mississippi y fallecido el 10 de octubre de 2006) fue un armonicista, compositor de blues, y cantante estadounidense, que clama haber sido el creador de la técnica de armónica amplificada ahuecando sus manos y usando un pequeño micrófono para que se escuchara su instrumento en la bulliciosa Maxwell Street Market de Chicago. Sin embargo, en sus grabaciones de finales los años 40 y principios de los 50, no utiliza este método.

https://es.wikipedia.org/wiki/Snooky_Pryor

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James Edward "Snooky" Pryor (September 15, 1919[2] or 1921[3] – October 18, 2006) was an American Chicago blues harmonica player.[1][4] He claimed to have pioneered the now-common method of playing amplified harmonica by cupping a small microphone in his hands along with the harmonica, although on his earliest records, in the late 1940s, he did not use this method.

Snooky Pryor • All My Money Gone

 

 Snooky Pryor (nacido el 15 de septiembre de 1921 en Lambert, Mississippi y fallecido el 10 de octubre de 2006) fue un armonicista, compositor de blues, y cantante estadounidense, que clama haber sido el creador de la técnica de armónica amplificada ahuecando sus manos y usando un pequeño micrófono para que se escuchara su instrumento en la bulliciosa Maxwell Street Market de Chicago. Sin embargo, en sus grabaciones de finales los años 40 y principios de los 50, no utiliza este método.
https://es.wikipedia.org/wiki/Snooky_Pryor

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James Edward "Snooky" Pryor (September 15, 1919[2] or 1921[3] – October 18, 2006) was an American Chicago blues harmonica player.[1][4] He claimed to have pioneered the now-common method of playing amplified harmonica by cupping a small microphone in his hands along with the harmonica, although on his earliest records, in the late 1940s, he did not use this method.
https://es.wikipedia.org/wiki/Snooky_Pryor

Sonny Terry • Sonny Is King

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a tocar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

Sonny Terry • Sonny's Story

Review:

Sonny's Story is an excellent showcase for Sonny Terry's talents, which sometimes went unheralded because they largely were showcased in the shadow of Brownie McGhee. Here, Terry is largely playing solo acoustic, with J.C. Burris joining in for harmonica duets every so often; Sticks McGhee and drummer Belton Evans also play on a few cuts. Unlike some solo acoustic blues albums, Sonny's Story is positively infectious. It's hard not to get caught up in Terry's shouts and boogies, and that's one major reason why this is among his best solo recordings.

by Thom Owens

https://www.allmusic.com/album/sonnys-story-mw0000312565

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Reseña:

Sonny's Story es un excelente escaparate para los talentos de Sonny Terry, que a veces no se anunciaban porque se exhibían en gran medida a la sombra de Brownie McGhee. Aquí, Terry toca mayormente en solitario en acústica, con J.C. Burris participando en dúos de armónica de vez en cuando; Sticks McGhee y el baterista Belton Evans también tocan en algunos cortes. A diferencia de algunos álbumes de blues acústico en solitario, Sonny's Story es positivamente contagioso. Es difícil no quedar atrapado en los gritos y boogies de Terry, y esa es una de las principales razones por las que esta es una de sus mejores grabaciones en solitario.

por Thom Owens

https://www.allmusic.com/album/sonnys-story-mw0000312565

Tail Dragger • My Head Is Bald

  

 

James Yancy Jones, aka Tail Dragger, was born in Altheimer, AR, in 1940. He was brought up by his grandparents and was influenced as a child by the electric Chicago blues of Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, and especially Chester Burnett, the Howlin' Wolf. Jones was a Howlin' Wolf devotee, right down to his deep, gruff voice. After moving to Chicago in the '60s, he began playing with blues legends on the West Side and South Side. It was Howlin' Wolf who gave Jones the title "Tail Dragger" because of his habit of showing up late to gigs.

The blues get served up hard, heavy and raunchy on the debut album from Chicago blues club legend Tail Dragger & His Chicago Blues Band. The 12 tracks here run the gamut from the modal "Don't Trust No Woman," six-and-a-half minutes of a non-stop trance groove, to the nastiest version of "Baby Please Don't Go" you'll ever hear, to the Jimmy Reed groove of "Cold Outdoors." With a straightforward, driving band featuring Studebaker John on harmonica, Rockin' Johnny Burgin on lead guitar, and Twist Turner on drums, a great song selection with seven of the 12 tunes emanating from the pens of either Tail Dragger or producer George Paulus, and an uncluttered production, this is one modern-day blues album that captures the spirit of Chicago blues in its classic period, yet in the here and now. The cover of this CD announces that disc contains "one hour of hardcore juke joint blues." Believe it. Cub Koda, AMG

 

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James Yancy Jones, alias Tail Dragger, nació en Altheimer, AR, en 1940. Fue criado por sus abuelos y fue influenciado de niño por el blues eléctrico de Chicago de Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, y especialmente Chester Burnett, el Lobo Aullador. Jones era un devoto de Howlin' Wolf, hasta su voz profunda y ruda. Después de mudarse a Chicago en los 60, empezó a tocar con leyendas del blues en el West Side y el South Side. Fue Howlin' Wolf quien le dio a Jones el título de "Tail Dragger" por su costumbre de llegar tarde a los conciertos.

El blues se sirve duro, pesado y estridente en el álbum debut de la leyenda del blues de Chicago Tail Dragger & His Chicago Blues Band. Los 12 temas van desde el modal "Don't Trust No Woman", seis minutos y medio de trance ininterrumpido, hasta la versión más sucia de "Baby Please Don't Go" que hayas escuchado, pasando por el ritmo de Jimmy Reed en "Cold Outdoors". Con una banda sencilla y dinámica con Studebaker John en la armónica, Rockin' Johnny Burgin en la guitarra y Twist Turner en la batería, una gran selección de canciones con siete de los 12 temas que emanan de las plumas de Tail Dragger o del productor George Paulus, y una producción despejada, este es un álbum de blues moderno que captura el espíritu del blues de Chicago en su período clásico, pero en el aquí y ahora. La portada de este CD anuncia que el disco contiene "una hora de hardcore juke joint blues". Créanlo. Cub Koda, AMG

 

 

 

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Tail Dragger & His Chicago Blues Band • American People

James Yancy Jones, aka Tail Dragger, was born in Altheimer, AR, in 1940. He was brought up by his grandparents and was influenced as a child by the electric Chicago blues of Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, and especially Chester Burnett, the Howlin' Wolf. Jones was a Howlin' Wolf devotee, right down to his deep, gruff voice. After moving to Chicago in the '60s, he began playing with blues legends on the West Side and South Side. It was Howlin' Wolf who gave Jones the title "Tail Dragger" because of his habit of showing up late to gigs.

The blues get served up hard, heavy and raunchy on the debut album from Chicago blues club legend Tail Dragger & His Chicago Blues Band. The 12 tracks here run the gamut from the modal "Don't Trust No Woman," six-and-a-half minutes of a non-stop trance groove, to the nastiest version of "Baby Please Don't Go" you'll ever hear, to the Jimmy Reed groove of "Cold Outdoors." With a straightforward, driving band featuring Studebaker John on harmonica, Rockin' Johnny Burgin on lead guitar, and Twist Turner on drums, a great song selection with seven of the 12 tunes emanating from the pens of either Tail Dragger or producer George Paulus, and an uncluttered production, this is one modern-day blues album that captures the spirit of Chicago blues in its classic period, yet in the here and now. The cover of this CD announces that disc contains "one hour of hardcore juke joint blues." Believe it. Cub Koda, AMG

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James Yancy Jones, alias Tail Dragger, nació en Altheimer, AR, en 1940. Fue criado por sus abuelos y fue influenciado de niño por el blues eléctrico de Chicago de Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, y especialmente Chester Burnett, el Lobo Aullador. Jones era un devoto de Howlin' Wolf, hasta su voz profunda y ruda. Después de mudarse a Chicago en los 60, empezó a tocar con leyendas del blues en el West Side y el South Side. Fue Howlin' Wolf quien le dio a Jones el título de "Tail Dragger" por su costumbre de llegar tarde a los conciertos.

El blues se sirve duro, pesado y estridente en el álbum debut de la leyenda del blues de Chicago Tail Dragger & His Chicago Blues Band. Los 12 temas van desde el modal "Don't Trust No Woman", seis minutos y medio de trance ininterrumpido, hasta la versión más sucia de "Baby Please Don't Go" que hayas escuchado, pasando por el ritmo de Jimmy Reed en "Cold Outdoors". Con una banda sencilla y dinámica con Studebaker John en la armónica, Rockin' Johnny Burgin en la guitarra y Twist Turner en la batería, una gran selección de canciones con siete de los 12 temas que emanan de las plumas de Tail Dragger o del productor George Paulus, y una producción despejada, este es un álbum de blues moderno que captura el espíritu del blues de Chicago en su período clásico, pero en el aquí y ahora. La portada de este CD anuncia que el disco contiene "una hora de hardcore juke joint blues". Créanlo. Cub Koda, AMG

Snooky Pryor • An Introduction To Snooky Pryor

 

Biography
by Bill Dahl
Only recently has Snooky Pryor finally begun to receive full credit for the mammoth role he played in shaping the amplified Chicago blues harp sound during the postwar era. He's long claimed he was the first harpist to run his sound through a public address system around the Windy City -- and since nobody's around to refute the claim at this point, we'll have to accept it! James Edward Pryor was playing harmonica at the age of eight in Mississippi. The two Sonny Boys were influential to Pryor's emerging style, as he played around the Delta. He hit Chicago for the first time in 1940, later serving in the Army at nearby Fort Sheridan. Playing his harp through powerful Army PA systems gave Pryor the idea to acquire his own portable rig once he left the service. Armed with a primitive amp, he dazzled the folks on Maxwell Street in late 1945 with his massively amplified harp. Pryor made some groundbreaking 78s during the immediate postwar Chicago blues era. Teaming with guitarist Moody Jones, he waxed "Telephone Blues" and "Boogie" for Planet Records in 1948, encoring the next year with "Boogy Fool"/"Raisin' Sand" for JOB with Jones on bass and guitarist Baby Face Leroy Foster in support. Pryor made more classic sides for JOB (1952-1953), Parrot (1953), and Vee-Jay ("Someone to Love Me"/"Judgment Day") in 1956, but commercial success never materialized. He wound down his blues-playing in the early '60s, finally chucking it all and moving to downstate Ullin, IL, in 1967. For a long while, Pryor's whereabouts were unknown. But the 1987 Blind Pig album Snooky, produced by guitarist Steve Freund, announced to the world that the veteran harpist was alive and well, his chops still honed. A pair of solid discs for Antone's, Too Cool to Move and In This Mess Up to My Chest, followed. Pryor stayed busy until his death in 2006.
https://www.allmusic.com/artist/snooky-pryor-mn0000752562/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Hace poco que Snooky Pryor ha empezado a recibir todo el reconocimiento por el enorme papel que desempeñó en la creación del sonido amplificado del arpa de blues de Chicago durante la posguerra. Durante mucho tiempo ha afirmado que fue el primer arpista que hizo sonar su sonido a través de un sistema de megafonía en la Ciudad de los Vientos, y dado que no hay nadie que pueda refutar esta afirmación, tendremos que aceptarla. James Edward Pryor ya tocaba la armónica a los ocho años en Mississippi. Los dos Sonny Boys influyeron en el estilo emergente de Pryor, que tocaba en el Delta. Llegó a Chicago por primera vez en 1940, y más tarde sirvió en el ejército en el cercano Fort Sheridan. Tocar su arpa a través de los potentes sistemas de megafonía del ejército dio a Pryor la idea de adquirir su propio equipo portátil una vez que dejara el servicio. Armado con un amplificador primitivo, deslumbró a la gente de Maxwell Street a finales de 1945 con su arpa masivamente amplificada. Pryor grabó algunos 78 innovadores durante la era del blues de Chicago de la posguerra. Formando equipo con el guitarrista Moody Jones, grabó "Telephone Blues" y "Boogie" para Planet Records en 1948, y al año siguiente encajó "Boogy Fool"/"Raisin' Sand" para JOB con Jones al bajo y el guitarrista Baby Face Leroy Foster como apoyo. Pryor hizo más lados clásicos para JOB (1952-1953), Parrot (1953), y Vee-Jay ("Someone to Love Me"/"Judgment Day") en 1956, pero el éxito comercial nunca se materializó. A principios de los años 60 dejó de tocar el blues y, finalmente, lo abandonó todo y se trasladó al estado de Ullin (Illinois) en 1967. Durante mucho tiempo, el paradero de Pryor fue desconocido. Pero el álbum Snooky de Blind Pig de 1987, producido por el guitarrista Steve Freund, anunció al mundo que el veterano arpista estaba vivo y en plena forma, con sus habilidades aún afinadas. Le siguieron un par de sólidos discos para Antone's, Too Cool to Move e In This Mess Up to My Chest. Pryor se mantuvo ocupado hasta su muerte en 2006.
https://www.allmusic.com/artist/snooky-pryor-mn0000752562/biography

Tail Dragger and Bob Corritore • Longtime Friends In The Blues

 

bobcorritore.com ...

Frank Frost • Downhome Blues

Artist Biography by Bill Dahl

Although the atmospheric juke joint blues of Frank Frost remained steeped in unadulterated Delta funk throughout his career, his ongoing musical journey took him well outside his Mississippi home base. He moved to St. Louis in 1951, learning how to blow harp first from Little Willie Foster and then from the legendary Sonny Boy Williamson, who took him on the road -- as a guitar player -- from 1956 to 1959. Drummer Sam Carr, a longtime Frost ally, was also part of the equation, having enticed Frost to front his combo in 1954 before hooking up with Sonny Boy.

Leaving Williamson's employ in 1959, Frost and Carr settled in Lula, Mississippi. Guitarist Jack Johnson came on board in 1962 after sitting in with the pair at the Savoy Theater in Clarksdale. The three meshed perfectly -- enough to interest Memphis producer Sam Phillips in a short-lived back-to-the-blues campaign that same year. Hey Boss Man!, issued on Sun's Phillips International subsidiary as by Frank Frost & the Night Hawks, was a wonderful collection of uncompromising Southern blues (albeit totally out of step with the marketplace at the time).

Elvis Presley's ex-guitarist Scotty Moore produced Frost's next sessions in Nashville in 1966 for Jewel Records. Augmented by session bassist Chip Young, the trio's tight down-home ensemble work was once again seamless. "My Back Scratcher," Frost's takeoff on Slim Harpo's "Baby Scratch My Back," even dented the R&B charts on Shreveport-based Jewel for three weeks.

Chicago blues fan Michael Frank sought out Frost in 1975. He located Frost, Johnson, and Carr playing inside Johnson's Clarksdale tavern, the Black Fox. Mesmerized by their sound, Frank soon formed his own record label, Earwig, to capture their raw, charismatic brand of blues. Released in 1979, Rockin' the Juke Joint Down, billed as by the Jelly Roll Kings (after one of the standout songs on that old Phillips International LP), showcased the trio's multifaceted approach -- echoes of R&B, soul, and even Johnny & the Hurricanes permeate their Delta-based attack.

In the following years, Frost waxed an Earwig album (1988's Midnight Prowler) and appeared on Atlantic's 1992 Deep Blues soundtrack -- an acclaimed film that reinforced the fact that blues still thrives deep in its Southern birthplace. Frost returned in 1996 with Keep Yourself Together. He died from cardiac arrest October 12, 1999 at his home in Helena, Arkansas; he was 63.

https://www.allmusic.com/artist/frank-frost-mn0000160499/biography

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 Biografía del artista por Bill Dahl

Aunque el atmosférico juke joint blues de Frank Frost permaneció impregnado de funk Delta sin adulterar a lo largo de su carrera, su continuo viaje musical lo llevó muy lejos de su base de operaciones en Mississippi. Se mudó a St. Louis en 1951, aprendiendo a tocar el arpa primero con el pequeño Willie Foster y luego con el legendario Sonny Boy Williamson, quien lo llevó de 1956 a 1959 como guitarrista. El baterista Sam Carr, aliado de Frost desde hace mucho tiempo, también fue parte de la ecuación, ya que en 1954 atrajo a Frost para que liderara su combo antes de engancharse con Sonny Boy.

Dejando el empleo de Williamson en 1959, Frost y Carr se establecieron en Lula, Mississippi. El guitarrista Jack Johnson subió a bordo en 1962 después de sentarse con la pareja en el Savoy Theater de Clarksdale. Los tres se mezclaron perfectamente, lo suficiente como para interesar al productor de Memphis, Sam Phillips, en una corta campaña de vuelta a la normalidad ese mismo año. Hey Boss Man!, publicado en la subsidiaria de Sun's Phillips International por Frank Frost & the Night Hawks, fue una colección maravillosa de blues sureño sin compromisos (aunque totalmente fuera de tono con el mercado en ese momento).

El ex-guitarrista de Elvis Presley Scotty Moore produjo las siguientes sesiones de Frost en Nashville en 1966 para Jewel Records. Aumentado por el bajista de sesión Chip Young, el trabajo del trío en casa fue una vez más perfecto. "My Back Scratcher", el despegue de Frost en "Baby Scratch My Back" de Slim Harpo, incluso hizo mella en los gráficos de R&B de Shreveport Jewel durante tres semanas.

El fanático del blues de Chicago, Michael Frank, buscó a Frost en 1975. Localizó a Frost, Johnson y Carr tocando dentro de la taberna de Johnson's Clarksdale, el Black Fox. Hipnotizado por su sonido, Frank pronto formó su propio sello discográfico, Earwig, para capturar su cruda y carismática marca de blues. Lanzado en 1979, Rockin' the Juke Joint Down, interpretado por los Jelly Roll Kings (después de una de las canciones más destacadas de ese viejo LP de Phillips International), mostró el enfoque multifacético del trío: ecos de R&B, soul e incluso Johnny & the Hurricanes impregnan su ataque basado en el Delta.

En los años siguientes, Frost enceró un álbum de Earwig (Midnight Prowler de 1988) y apareció en la banda sonora de Atlantic de 1992 Deep Blues, una película aclamada que reforzó el hecho de que el blues todavía prospera en las profundidades de su lugar de nacimiento en el sur. Frost regresó en 1996 con Keep Yourself Together. Murió de un paro cardíaco el 12 de octubre de 1999 en su casa en Helena, Arkansas; tenía 63 años.

https://www.allmusic.com/artist/frank-frost-mn0000160499/biography